शैली और युग: पुनर्जन्म

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1924 में वास्तुकार और सिद्धांतकार मूसा गिन्ज़बर्ग, जिन्होंने उस समय 32 वर्ष की उम्र में, "स्टाइल एंड एपोक" पुस्तक प्रकाशित की, जिसमें उन्होंने आंशिक रूप से भविष्यवाणी की थी, आंशिक रूप से 20 वीं शताब्दी की वास्तुकला के विकास को क्रमबद्ध किया। एक साल बाद, आर्किटेक्ट ओएसए समूह के संस्थापकों में से एक बन गया - एसोसिएशन ऑफ कंटेम्परेरी आर्किटेक्ट्स, जो सोवियत रूस के निर्माणवादियों के लिए महत्वपूर्ण है। यह पुस्तक अवेंट-गार्डे के आर्किटेक्ट और इतिहासकारों के लिए सबसे प्रतिष्ठित में से एक बन गई, लेकिन एक ग्रंथसूची संबंधी दुर्लभता बनी रही। अब आपकी लाइब्रेरी में वॉल्यूम आसानी से समाप्त हो सकता है: गिन्ज़बर्ग आर्किटेक्ट्स ने स्टाइल और एरा का एक पुनर्मुद्रित संस्करण जारी किया है। उसी समय, यूके में एक पुनर्मुद्रण जारी किया गया था, जिसे फंटाका प्रकाशन और टेम्स एंड हडसन के सहयोग से गिनज़बर्ग डिज़ाइन द्वारा प्रकाशित किया गया था।

पुस्तक यहां से खरीदी जा सकती है, ईमेल [email protected] द्वारा या फोन +74995190090 पर ऑर्डर किया जा सकता है।

कीमत - 950 रूबल.

नीचे हम एक पुस्तक का एक अंश प्रकाशित करते हैं, जो अवांट-गार्डे के सिद्धांत में एक ग्रंथ सूची का क्लासिक बन गया है।

आप यहां उसी मार्ग से जा सकते हैं:

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    1/15 M. Ya. गिंजब्रग। काल शैली। एम।, 1924/2019 को पुनर्मुद्रित किया गया। गिन्ज़बर्ग वास्तुकारों के सौजन्य से पुस्तक खंडन

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भविष्य *

स्थापत्य शैली और आधुनिकता? सफाई तूफानों की वह आधुनिकता, जिसके दौरान खड़ी संरचनाएं शायद ही दर्जनों हैं। हम किस शैली के बारे में बात कर सकते हैं? बेशक, यह उन लोगों के लिए है जो नए रास्तों, नई खोजों के रास्तों की तलाश करने वालों के संदेह और भ्रम से अलग हैं; तो उन लोगों के लिए जो धैर्यपूर्वक अपने हाथों में स्कोर के साथ अंतिम परिणाम की प्रतीक्षा कर रहे हैं और उनके होंठों पर एक फैसला है। लेकिन समय अभी उनके लिए पका नहीं है, उनकी बारी आगे है। इस पुस्तक के पृष्ठ इस बात के लिए समर्पित हैं कि क्या हुआ है, लेकिन केवल उन प्रतिबिंबों को पारित करने के लिए आया है, जो उस रेखा के बारे में है जो पहले से ही मृत अतीत और बढ़ती आधुनिकता के बीच चलती है, एक नई शैली के बारे में जो कि थ्रोज़ में पैदा होती है, द्वारा निर्देशित की जाती है। एक नया जीवन, एक ऐसी शैली जिसका स्वरूप अभी भी अस्पष्ट है, लेकिन फिर भी वांछित है, आत्मविश्वास के साथ आगे बढ़ने वालों के बीच मजबूत और बढ़ता है।

* इस काम का मुख्य शोध मेरे द्वारा 18 मई, 1923 को मॉस्को आर्किटेक्चरल सोसायटी को एक रिपोर्ट में प्रस्तुत किया गया था; 8 फरवरी, 1924 को रूसी अकादमी ऑफ आर्ट साइंसेज में मेरे द्वारा पहले से ही तैयार पुस्तक की सामग्री को पढ़ा गया था।

I स्टाइल

“आंदोलन एक साथ कई बिंदुओं पर शुरू होता है। पुराना पुनर्जन्म होता है, सब कुछ अपने साथ ले जाता है, और अंत में, कुछ भी प्रवाह का विरोध नहीं करता है: नई शैली एक तथ्य बन जाती है। यह सब क्यों होना पड़ा?”

जी। वेफलिन "पुनर्जागरण और बैरोक"।

लगभग दो शताब्दियों के लिए, यूरोप की वास्तुशिल्प रचनात्मकता अपने अतीत की कीमत पर परजीवी रूप से मौजूद थी। हालांकि अन्य कलाएं, एक तरह से या किसी अन्य, आगे बढ़ीं, व्यवस्थित रूप से हाल के क्रांतिकारी नवप्रवर्तकों से अपनी "क्लासिक्स" बना रही थीं, बिल्कुल असाधारण जिद के साथ वास्तुकला प्राचीन दुनिया के नमूने या इतालवी पुनर्जागरण के युग से अपनी आँखें नहीं लेना चाहती थी।कला अकादमियों, ऐसा लगता है, केवल इस तथ्य में लगे हुए थे कि उन्होंने नए लोगों की इच्छा को खत्म कर दिया और युवा लोगों की रचनात्मक क्षमताओं को बिना शिक्षण के समतल कर दिया, हालांकि, उत्पादन में देखना

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अतीत का ज्ञान, कानूनों की एक प्रणाली जो हमेशा अनिवार्य रूप से युग की जीवन संरचना से चलती है और केवल इस पृष्ठभूमि के खिलाफ इसका सही अर्थ प्राप्त होता है। इस प्रकार, इस तरह की "अकादमिक" शिक्षा ने दो लक्ष्य हासिल किए: पुतली को वर्तमान से अलग कर दिया गया था और एक ही समय में अतीत के महान कार्यों की सच्ची भावना के लिए विदेशी बने रहे। यह इस तथ्य की भी व्याख्या करता है कि जो कलाकार अपनी कला को रूप की विशुद्ध रूप से आधुनिक समझ की अभिव्यक्ति चाहते हैं, वे अक्सर रक्षात्मक रूप से बीगोन युग की सभी सौंदर्य उपलब्धियों की उपेक्षा करते हैं। हालांकि, अतीत की कला और रचनात्मक माहौल की एक करीबी परीक्षा जिसमें इसे बनाया गया था, विभिन्न निष्कर्षों की ओर ले जाता है। यह अनुभव है, जो सदियों के रचनात्मक प्रयासों से संकुचित है, जो स्पष्ट रूप से आधुनिक कलाकार को अपना रास्ता दिखाता है: - और बोल्ड खोज, और कुछ नया करने के लिए साहसी खोज, और रचनात्मक खोजों की खुशी, - वह सब कांटेदार पथ जो हमेशा समाप्त होता है जीत, जैसे ही आंदोलन ईमानदार होता है, इच्छा उज्ज्वल और धुली हुई राख होती है जो एक लचीला और सही मायने में आधुनिक लहर होती है।

यह मानव अस्तित्व के सभी सर्वोत्तम समय पर कला थी, और निश्चित रूप से, अब ऐसा होना चाहिए। अगर हमें याद है कि पार्थेनन ने किस व्यंजन वातावरण में बनाया था, कैसे ऊनी और रेशम के कीड़ों के निगमों ने इतालवी पुनर्जागरण के युग में एक-दूसरे के साथ प्रतिस्पर्धा की - सौंदर्यवादी आदर्श की सर्वश्रेष्ठ उपलब्धि में, या सब्जी और क्षुद्र वस्तु व्यापारियों ने कैसे प्रतिक्रिया दी कैथेड्रल के नए विस्तार को खड़ा किया जा रहा है, तो हम स्पष्ट रूप से समझेंगे, यह पूरी बात यह है कि कैथेड्रल और ग्रींग्रोइसर महिला के वास्तुकार दोनों ने एक ही हवा में सांस ली, समकालीन थे। सच है, हर कोई ऐतिहासिक उदाहरणों से जानता है कि नए रूप के सच्चे द्रष्टा उनके समकालीनों द्वारा कैसे गलत समझा गया, लेकिन यह केवल यह बताता है कि आधुनिकता के आगे इन कलाकारों को सहज रूप से प्रत्याशित किया गया था, जो कि कुछ समय के बाद, कम या ज्यादा महत्वपूर्ण, समय की गति को पकड़ रहा था। उनके साथ।

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यदि वास्तव में आधुनिक लय आधुनिक रूप में सुनाई देती है, तो श्रम और आज के आनंद की लय के साथ नीरस, तो, निश्चित रूप से, यह अंततः उन लोगों द्वारा सुना जाना होगा जिनके जीवन और कार्य इस लय को बनाते हैं। यह कहा जा सकता है कि कलाकार का शिल्प और हर दूसरा शिल्प तब आगे बढ़ेगा, एक लक्ष्य की ओर बढ़ेगा, और अनिवार्य रूप से आखिरकार एक समय आएगा जब ये सभी रेखाएं एक दूसरे को काटेंगी, अर्थात जब हम अपनी खुद की बड़ी शैली पाते हैं, जिसमें सृजन और चिंतन की रचनात्मकता विलीन हो जाएगी, जब वास्तुकार उसी शैली में काम करेगा, जब दर्जी कपड़े सिल देगा; जब एक गीत गाना आसानी से विदेशी और अपनी लय के साथ अलग होगा; जब एक और एक ही भाषा की समानता द्वारा वीरतापूर्ण नाटक और सड़क के शौकीन सभी रूपों की विविधता के साथ गले लगाए जाएंगे। ये किसी भी वास्तविक और स्वस्थ शैली के संकेत हैं जिसमें निकट विश्लेषण युग के मुख्य कारकों पर इन सभी घटनाओं के कारण और निर्भरता को प्रकट करेगा। इस प्रकार, हम शैली की अवधारणा के करीब आते हैं, जिसका उपयोग अक्सर विभिन्न इंद्रियों में किया जाता है, और जिसे हम समझने की कोशिश करेंगे। दरअसल, पहली नज़र में, यह शब्द अस्पष्टता से भरा है। हम एक नई नाटकीय उत्पादन के लिए शैली कहते हैं, और हम एक महिला की टोपी के लिए शैली कहते हैं। हम शब्द "शैली" को शामिल करते हैं, अक्सर, विशेष रूप से कला के बेहतरीन रंगों में (उदाहरण के लिए, हम कहते हैं "चालीसवें दशक की शैली" या "मिशेल संमहेली की शैली") और कभी-कभी इसे पूरे युग के महत्व के लिए विशेषता देते हैं, सदियों का एक समूह (जैसे मिस्र शैली, पुनर्जागरण शैली)। इन सभी मामलों में, हमारा मतलब है कि विचाराधीन घटना में देखी गई किसी प्रकार की नियमित एकता।कला में शैली की कुछ विशेषताएं प्रभावित करेंगी यदि हम मानव विकास के अन्य क्षेत्रों के विकास के साथ इसके विकास की तुलना करते हैं, उदाहरण के लिए, विज्ञान। दरअसल, वैज्ञानिक सोच की उत्पत्ति एक अटूट श्रृंखला को निर्धारित करती है

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ऐसे प्रावधान जिनमें से प्रत्येक नया, पुराने से बहकर आता है, जिससे यह पुराना हो जाता है। यहां एक निश्चित वृद्धि, सोच के उद्देश्य मूल्य में वृद्धि है। इसलिए रसायन विज्ञान ने आगे बढ़ना और कीमिया को अनावश्यक बना दिया है, इसलिए अनुसंधान के नए तरीके पुराने लोगों की तुलना में अधिक सटीक और अधिक वैज्ञानिक हैं; जो आधुनिक भौतिक विज्ञान का मालिक है वह न्यूटन या गैलीलियो * की तुलना में आगे बढ़ गया है। एक शब्द में, यहां हम एक पूरे, लगातार बढ़ते जीव के साथ काम कर रहे हैं। कला के कार्यों के साथ स्थिति कुछ अलग है, जिनमें से प्रत्येक, सबसे पहले, खुद को और उस वातावरण को हावी करता है जिसने इसे जन्म दिया, और वह कार्य जो वास्तव में अपने लक्ष्य को प्राप्त करता है, जैसे कि, ** से अधिक हो। इस प्रकार, शब्द प्रगति कला के लिए लागू करने के लिए अत्यंत कठिन है और इसे केवल इसकी तकनीकी संभावनाओं के क्षेत्र के लिए जिम्मेदार ठहराया जा सकता है। कला में उनके लिए कुछ अलग, नया, रूप और संयोजन होता है, जो कभी-कभी पूर्वाभास नहीं कर सकता है, और जैसे कला का एक काम कुछ मूल्यवान है, इसलिए यह अपने विशेष मूल्य में नायाब रहता है। वास्तव में, क्या पुनर्जागरण के चित्रकारों को ग्रीस के उन हिस्सों को पार करने के लिए कहा जा सकता है, या कि कर्णक मंदिर पैंटून से भी बदतर है? बिलकूल नही। हम केवल इतना ही कह सकते हैं कि जिस तरह कर्णक में मंदिर एक निश्चित वातावरण का परिणाम है जिसने उसे जन्म दिया और उसे केवल इस पर्यावरण की पृष्ठभूमि, उसकी सामग्री और आध्यात्मिक संस्कृति के विरुद्ध समझा जा सकता है, इसलिए पंथों की पूर्णता एक परिणाम है। इसी तरह के कारणों से, कर्णक मंदिर के गुणों से लगभग स्वतंत्र। * * *

हम अच्छी तरह से जानते हैं कि विमान मिस्र के फ्रेस्को की विशेषताएं, जो रिबन की पंक्तियों में कथा को प्रकट करती हैं, * जोनास कोना द्वारा "सामान्य सौंदर्यशास्त्र"। Samsonov द्वारा अनुवाद। स्टेट पब्लिशिंग हाउस, 1921

** शिलर द्वारा विज्ञान और कला के बीच के अंतर का भी उल्लेख किया गया है। 3-4 अगस्त 1875 से उनके पत्र फिच को देखें (पत्र, चतुर्थ, 222)।

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एक के ऊपर एक स्थित मिस्र की कला की अपूर्णता का संकेत नहीं है, लेकिन केवल रूप की विशिष्ट मिस्र की समझ का प्रतिबिंब है, जिसके लिए ऐसी विधि न केवल सबसे अच्छी थी, बल्कि केवल एक ही थी जो पूर्ण संतुष्टि लाती थी। यदि एक मिस्र के लिए एक आधुनिक तस्वीर दिखाई गई, तो यह निस्संदेह बहुत कठोर आलोचना के अधीन होगा। मिस्र ने इसे अभिव्यक्ति के लिए अप्रिय और अप्रिय दोनों पाया: उसे कहना होगा कि तस्वीर खराब है। इसके विपरीत, मिस्र के दृष्टिकोण के सौंदर्य गुणों की सराहना करने के लिए, जब हम इतालवी पुनर्जागरण के कलाकारों से इसकी पूरी तरह से अलग समझ प्राप्त करते हैं, तो हमें न केवल मिस्र की सभी कलाओं को पूरी तरह से गले लगाना चाहिए, बल्कि प्रसिद्ध भी करना होगा। पुनर्जन्म का काम, दुनिया मिस्र की धारणा की प्रणाली में घुसना करने की कोशिश करनी चाहिए। एक कला छात्र के लिए मिस्र और पुनर्जागरण फ्रेस्को के बीच क्या संबंध होना चाहिए? स्वाभाविक रूप से, आमतौर पर "प्रगति" शब्द का अर्थ यहां पर लागू नहीं होता है, क्योंकि, निश्चित रूप से, हम उद्देश्यपूर्ण रूप से यह दावा नहीं कर सकते हैं कि मिस्र के फ्रेस्को पुनर्जागरण की तुलना में "बदतर" हैं, कि पुनर्जागरण परिप्रेक्ष्य प्रणाली मिस्र के फ्रेस्को सिस्टम को नष्ट और वंचित करती है। आकर्षण का। इसके विपरीत, हम जानते हैं कि पुनर्जागरण के समानांतर कुछ अन्य परिप्रेक्ष्य की प्रणाली भी है, उदाहरण के लिए, जापानी एक, अपने तरीके से जा रहा है, कि हम आज भी मिस्र की भित्ति पेंटिंग का आनंद लेने में सक्षम हैं, और अंत में, समकालीन कलाकार कभी-कभी इतालवी परिप्रेक्ष्य के अपने कार्य प्रणाली में जानबूझकर उल्लंघन करते हैं। उसी समय, बिजली की उपलब्धियों का उपयोग करने वाले व्यक्ति को किसी भी मामले में भाप के कर्षण पर वापस जाने के लिए मजबूर नहीं किया जा सकता है, जिसे एक मामले में या किसी अन्य को उद्देश्यपूर्ण रूप से पार किया जाना चाहिए और इसलिए, हमें न तो प्रशंसा की प्रेरणा मिलती है और न ही उसकी नकल करने की इच्छा होती है। ।यह स्पष्ट है कि हम यहां विभिन्न घटनाओं से निपट रहे हैं।

हालांकि, मानव गतिविधि के दो प्रकारों के बीच यह अंतर: कलात्मक और तकनीकी - एक ही समय में

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इस अवसर पर हमें यह बताने से वंचित नहीं करता है कि इतालवी पुनर्जागरण की कला ने रचनात्मकता की विश्व प्रणाली में अपना योगदान दिया, इसे पहले से अज्ञात दृष्टिकोण की एक नई प्रणाली के साथ समृद्ध किया।

इस प्रकार, यहां हम अभी भी कुछ प्रकार की वृद्धि, इसके अलावा, कला के संवर्धन के बारे में बात कर रहे हैं, जो काफी वास्तविक और मान्यता प्राप्त है, लेकिन रचनात्मकता की पहले से मौजूद व्यवस्था को नष्ट नहीं करता है। इसलिए, एक निश्चित अर्थ में, कला के विकास के बारे में बात करना, कला की प्रगति के बारे में, इसके तकनीकी पक्ष के अलावा।

केवल यह प्रगति या विकास नए मूल्यों, नई रचनात्मक प्रणालियों को बनाने की क्षमता में शामिल होगा, इस प्रकार मानवता को समग्र रूप से समृद्ध करेगा।

हालाँकि, यह संवर्धन, कला में कुछ नया उभरने का कारण संयोग से नहीं हो सकता है, नए रूपों, नए रचनात्मक प्रणालियों के आकस्मिक आविष्कार।

हम पहले ही कह चुके हैं कि 15 वीं शताब्दी की एक इतालवी पेंटिंग की तरह एक मिस्र के फ्रेस्को को समझा जा सकता है और इसलिए, इसकी समकालीन कला के पूरे होने के बाद ही इसका एक उद्देश्य मूल्यांकन प्राप्त हुआ है। अक्सर, हालांकि, यह पर्याप्त नहीं है। आपको इस कार्य को पूरी तरह से समझने के लिए युग की सामाजिक और आर्थिक संरचना, इसकी जलवायु और राष्ट्रीय विशेषताओं के साथ, सभी प्रकार की मानवीय गतिविधि, आधुनिक दी गई तस्वीर से खुद को परिचित करने की आवश्यकता है। एक व्यक्ति ऐसा है और अलग नहीं है, न कि उसकी उपस्थिति के "यादृच्छिकता" के कारण, लेकिन उसके द्वारा अनुभव किए गए सबसे जटिल प्रभावों के परिणामस्वरूप, सामाजिक वातावरण, उसका वातावरण, प्राकृतिक और आर्थिक परिस्थितियों का प्रभाव। कुल मिलाकर यह सब इस या उस व्यक्ति में आध्यात्मिक संरचना को जन्म देता है, जो उसे एक निश्चित दृष्टिकोण, कलात्मक सोच की एक निश्चित प्रणाली, मानव प्रतिभा को एक दिशा या किसी अन्य में निर्देशित करता है।

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रचनाकार की सामूहिक या व्यक्तिगत प्रतिभा कितनी भी महान क्यों न हो, चाहे वह कितनी भी अजीब और रचनात्मक प्रक्रिया क्यों न हो, वास्तविक और जीवन और कारकों और मानव कलात्मक सोच की प्रणाली और, बदले में, के बीच एक कारण संबंध है। कलाकार की उत्तरार्द्ध और औपचारिक रचनात्मकता, और यह इस निर्भरता की उपस्थिति है जो कला के विकास की प्रकृति की व्याख्या करती है, जिसके बारे में हमने बात की थी, और पुनर्जन्म की आवश्यकता, जो एक उद्देश्य के ऐतिहासिक मूल्यांकन का काम करती है कला। हालांकि, इस निर्भरता को बहुत प्राथमिक नहीं समझा जाना चाहिए। एक ही अंतर्निहित कारण कभी-कभी विभिन्न परिणाम उत्पन्न कर सकते हैं; दुर्भाग्य कभी-कभी हमारी ताकत को नष्ट कर देता है, और कभी-कभी किसी व्यक्ति के चरित्र के व्यक्तिगत गुणों के आधार पर, उन्हें अनंत बार बढ़ाता है। उसी तरह, किसी व्यक्ति या लोगों की प्रतिभा की विशेषताओं के आधार पर, अन्य मामलों में हम प्रत्यक्ष परिणाम देखते हैं, दूसरों में - इसके विपरीत परिणाम। हालाँकि, दोनों ही मामलों में, इस कारण पर निर्भरता की उपस्थिति को अस्वीकार नहीं किया जा सकता है, केवल उस पृष्ठभूमि के खिलाफ, जिसमें कला के किसी कार्य का मूल्यांकन दिया जा सकता है, न कि किसी व्यक्ति के स्वाद के फैसले के आधार पर "जैसे कि यह या नहीं", लेकिन एक उद्देश्यपूर्ण ऐतिहासिक घटना के रूप में। औपचारिक तुलना केवल उसी युग के कार्यों के बीच की जा सकती है, उसी शैली की। केवल इन सीमाओं के भीतर ही कला के कार्यों के औपचारिक लाभ स्थापित किए जा सकते हैं। वह जो सबसे अच्छा, सबसे स्पष्ट रूप से कलात्मक सोच की प्रणाली से मेल खाती है जिसने उन्हें जन्म दिया, फिर आमतौर पर सबसे अच्छी औपचारिक भाषा मिलती है। मिस्र के फ्रेस्को और इतालवी चित्रकला की तुलना गुणात्मक रूप से नहीं की जा सकती है। यह केवल एक परिणाम देगा: यह कलात्मक निर्माण की दो अलग-अलग प्रणालियों को इंगित करेगा, जिनमें से प्रत्येक के पास एक अलग वातावरण में इसके स्रोत हैं।

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यही कारण है कि एक समकालीन कलाकार के लिए एक मिस्र के फ्रेस्को को बनाना असंभव है, यही कारण है कि पारिस्थितिकवाद ज्यादातर मामलों में आनुवंशिक रूप से बाँझ है, भले ही इसके प्रतिनिधि कितने शानदार हों। वह "नया" नहीं बनाता है, कला को समृद्ध नहीं करता है, और इसलिए, कला के विकासवादी मार्ग में यह एक प्लस नहीं देता है, लेकिन एक ऋण, एक वृद्धि नहीं है, लेकिन अक्सर असंगत पक्षों का एक समझौता संयोजन है। * * * किसी भी युग की मानव गतिविधि के सबसे विविध उत्पादों को ध्यान में रखते हुए, विशेष रूप से, किसी भी प्रकार की कलात्मक रचनात्मकता, जैविक और व्यक्तिगत कारणों से होने वाली सभी विविधता के साथ, उन सभी में कुछ सामान्य परिलक्षित होगा, एक ऐसी विशेषता, जिसमें इसकी कॉलेजियम, शैली की अवधारणा को उजागर करती है। उत्पादन की जलवायु, जलवायु, समान दृष्टिकोण और मानस - समान सामाजिक और सांस्कृतिक परिस्थितियों, तरीकों और तरीकों - यह सब गठन के सबसे विविध रूपों पर एक सामान्य छाप छोड़ देगा। और यह आश्चर्य की बात नहीं है, इसलिए, कि एक पुरातत्वविद् जिसने हज़ारों साल बाद एक जग, मूर्ति या कपड़ों का एक टुकड़ा पाया है, शैली की इन सामान्य विशेषताओं के आधार पर, इन वस्तुओं के संबंध को एक विशेष युग में निर्धारित करेगा । वोल्फलिन, पुनर्जागरण और बारोक के अपने अध्ययन में, मानव जीवन की मात्रा को दर्शाता है जिसमें आप शैली की विशेषताओं का पता लगा सकते हैं: खड़े होने और चलने का तरीका, वह कहते हैं, एक तरह से या किसी अन्य में एक लबादा लपेटना, एक संकीर्ण पहनना या चौड़े जूते, हर छोटी चीज - यह सब शैली का संकेत दे सकता है। इस प्रकार, शब्द "शैली" कुछ प्राकृतिक घटनाओं की बात करता है जो मानव गतिविधि की सभी अभिव्यक्तियों पर थोपते हैं जो कुछ विशेषताओं को प्रभावित करते हैं जो बड़े और छोटे को प्रभावित करते हैं, भले ही समकालीन लोग इसके लिए स्पष्ट रूप से प्रयास करें या यहां तक कि उन्हें बिल्कुल भी ध्यान न दें। फिर भी, मानव हाथों के इस या उस कार्य की उपस्थिति में "मौका" को खत्म करने वाले कानून इस प्रकार की प्रत्येक गतिविधि के लिए उनकी विशिष्ट अभिव्यक्ति प्राप्त करते हैं।

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फिटनेस। इस प्रकार, संगीत का एक टुकड़ा एक तरह से आयोजित किया जाता है, दूसरे में एक साहित्यिक टुकड़ा। हालांकि, इन विभिन्न कानूनों में, प्रत्येक कला की औपचारिक पद्धति और भाषा में अंतर के कारण, कुछ सामान्य, एकीकृत परिसर पर ध्यान दिया जा सकता है, कुछ सामान्य और कनेक्ट कर सकते हैं, दूसरे शब्दों में, शैली की एकता, व्यापक अर्थों में शब्द।

इस प्रकार, एक कलात्मक घटना की शैली की परिभाषा को विस्तृत माना जा सकता है जब इसमें न केवल इस घटना के संगठनात्मक कानूनों को खोजना शामिल है, बल्कि इन कानूनों और किसी दिए गए ऐतिहासिक युग के बीच एक निश्चित संबंध स्थापित करना और उन्हें अन्य प्रकारों पर परीक्षण करना है। समकालीन जीवन में रचनात्मकता और मानवीय गतिविधि … बेशक, किसी भी ऐतिहासिक शैली पर इस निर्भरता का परीक्षण करना मुश्किल नहीं है। एक्रोपोलिस के स्मारकों के बीच अटूट संबंध, फिदियास या पॉलीक्लेटस की मूर्तियाँ, ऐसाइलस और यूरिपिड्स की त्रासदियों, ग्रीस की अर्थव्यवस्था और संस्कृति, इसके राजनीतिक और सामाजिक व्यवस्था, कपड़े और बर्तन, आकाश और मिट्टी की राहत। किसी भी अन्य शैली के समान घटना के रूप में हमारे दिमाग में बस के रूप में आक्रामक है …

कलात्मक घटना का विश्लेषण करने का यह तरीका, इसकी तुलनात्मक निष्पक्षता के कारण, शोधकर्ता को सबसे विवादास्पद मुद्दों में एक शक्तिशाली हथियार देता है।

इसलिए, पिछले दशकों के हमारे कलात्मक जीवन की घटनाओं को देखने के ऐसे कोण से मुड़कर, कोई भी बहुत कठिनाई के बिना स्वीकार कर सकता है कि "आधुनिक", "पतन", जैसे हमारे सभी "नव-क्लासिकल" और " नव - पुनर्जागरण”, किसी भी हद तक आधुनिकता की परीक्षा का सामना नहीं करते हैं। कुछ परिष्कृत, सुसंस्कृत और विकसित वास्तुकारों के सिर में जन्मे और अक्सर उनकी महान प्रतिभा के लिए धन्यवाद, पूरी तरह से अपनी तरह के नमूने तैयार किए गए, यह बाहरी सौंदर्यवादी क्रस्ट, अन्य सभी प्रकार के परमानंद फोर्सेस की तरह, एक आदर्श आविष्कार है थोड़ी देर के लिए स्वाद आया। संकीर्ण सर्कल

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रूढ़िवादी दुनिया के पतन और नपुंसकता के अलावा कुछ भी नहीं दर्शाते हैं।* * * इस प्रकार, हम शैली की एक निश्चित आत्मनिर्भरता स्थापित करते हैं, इसे संचालित करने वाले कानूनों की मौलिकता, और अन्य शैलियों के कार्यों से इसकी औपचारिक अभिव्यक्तियों के सापेक्ष अलगाव। हम कला के काम के विशुद्ध रूप से व्यक्तिपरक मूल्यांकन को त्याग देते हैं और सुंदर के आदर्श पर विचार करते हैं, यह शाश्वत रूप से बदल रहा है और क्षणिक आदर्श है, जो कि किसी स्थान और युग की आवश्यकताओं और अवधारणाओं को पूरी तरह से पूरा करता है।

स्वाभाविक रूप से सवाल उठता है: अलग-अलग युगों की कला की व्यक्तिगत अभिव्यक्तियों के बीच क्या संबंध है, और स्पेंगलर * और डेनिलेव्स्की ** अपने सिद्धांतों में सही नहीं हैं, संस्कृतियों के एक समूह द्वारा एक दूसरे से बंद और अलग हो गए हैं?

किसी भी शैली के कानूनों की बंद प्रकृति स्थापित करने के बाद, हम निश्चित रूप से इन शैलियों के परिवर्तन और विकास में निर्भरता और प्रभाव के सिद्धांत को छोड़ने के लिए सोचने से दूर हैं। इसके विपरीत, वास्तव में, एक शैली और दूसरे के बीच की सटीक सीमाएं मिट जाती हैं। उन क्षणों को स्थापित करने का कोई तरीका नहीं है जहां एक शैली समाप्त होती है और दूसरी शुरू होती है; एक शैली जो असंगत है वह अपनी युवावस्था, परिपक्वता और बुढ़ापे का अनुभव कर रही है, लेकिन बुढ़ापे को अभी तक पूरी तरह से रेखांकित नहीं किया गया है, दूर हटना खत्म नहीं हुआ है, जैसा कि एक और पथ का अनुसरण करने के लिए, एक और नई शैली का जन्म हुआ है। नतीजतन, वास्तव में न केवल आसन्न शैलियों के बीच एक संबंध है, बल्कि उनके बीच एक सटीक सीमा स्थापित करना भी मुश्किल है, जैसा कि बिना किसी अपवाद के जीवन के सभी रूपों के विकास में है। और अगर हम शैली के आत्म-निहित महत्व के बारे में बात कर रहे हैं, तो, निश्चित रूप से, हम इसका एक सिंथेटिक समझ का मतलब है, इसके सार की सर्वोत्कृष्टता, मुख्य रूप से इसके फूल के सबसे अच्छे समय में परिलक्षित होती है, इस के सर्वश्रेष्ठ कार्यों पर

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* ओसवाल्ड स्पेंगलर, "द डिक्लाइन ऑफ यूरोप", वॉल्यूम I, रूसी अनुवाद, 1923

** "हां। डेनिलेव्स्की," रूस और यूरोप ", तीसरा संस्करण। 1888 जी।

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छिद्र। तो, ग्रीक शैली के नियमों के बारे में बोलते हुए, हमारा मतलब 5 वीं शताब्दी ईसा पूर्व है। X., Phidias की सदी, Ictinus और Callicrates और उनके लिए निकटतम समय, और लुप्त होती हेलेनिस्टिक कला नहीं है, जिसमें पहले से ही कई विशेषताएं हैं जो रोमन शैली के उद्भव का अनुमान लगाती हैं। लेकिन एक तरह से या किसी अन्य, दो आसन्न शैलियों के पहिए एक-दूसरे के साथ इंटरलॉक करते हैं, और इस आसंजन की परिस्थितियों का पता लगाने के लिए निर्बाध नहीं हैं।

इस मामले में, हम खुद को उस वास्तुकला के मुद्दे पर विचार करने के लिए प्रतिबंधित करेंगे जो हमारे लिए सबसे अधिक रुचि रखता है।

हालांकि, यह आवश्यक है, सबसे पहले, उन अवधारणाओं की समझ जो वास्तुशिल्प शैली की औपचारिक परिभाषा में शामिल हैं। हम पहले से ही काफी स्पष्ट रूप से जानते हैं कि पेंटिंग शैली की विशेषता क्या है: हम ड्राइंग, रंग, संरचना के बारे में बात कर रहे हैं, और निश्चित रूप से, इन सभी गुणों का विश्लेषण शोधकर्ता द्वारा किया जाता है। यह सुनिश्चित करना भी आसान है कि उनमें से पहला: ड्राइंग और रंग, वह सामग्री है, जिसमें विमान का संगठन एक पेंटिंग की रचना की कला बनाता है। उसी तरह, वास्तुकला में, कई अवधारणाओं पर ध्यान देना आवश्यक है, जिनके स्पष्टीकरण के बिना इसके कार्यों का एक औपचारिक विश्लेषण समझ से बाहर है।

बारिश और ठंड से सुरक्षा बनाने की आवश्यकता ने लोगों को आवास बनाने के लिए प्रेरित किया। और इस दिन ने वास्तुकला की प्रकृति को निर्धारित किया है, जो जीवन की तरह उपयोगी रचनात्मकता और "उदासीन" कला के कगार पर खड़ा है। यह सुविधा मुख्य रूप से अलग करने, कुछ सामग्री, सामग्री रूपों और अंतरिक्ष के एक निश्चित हिस्से को अलग करने की आवश्यकता में परिलक्षित हुई। अंतरिक्ष का अलगाव, कुछ निश्चित सीमाओं के भीतर इसका बंद होना आर्किटेक्ट के सामने आने वाले कार्यों में से पहला है। पृथक अंतरिक्ष का संगठन, क्रिस्टलीय रूप जो अनिवार्य रूप से अनाकार स्थान को घेरता है, अन्य कलाओं से वास्तुकला की विशिष्ट विशेषता है। एक विशेषता का गठन होता है, इसलिए बोलने के लिए, स्थानिक अनुभवों से, अंतर से अनुभव होता है

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संदर्भ, परिसर के अंदर होने से, उनकी स्थानिक सीमाओं से और इस अंतरिक्ष की प्रकाश व्यवस्था से - यह सब मुख्य विशेषता है, वास्तुकला का मुख्य अंतर, किसी अन्य कला की धारणाओं में दोहराया नहीं गया है।

लेकिन अंतरिक्ष के अलगाव, इसे व्यवस्थित करने की विधि, एक भौतिक रूप के उपयोग के माध्यम से की जाती है: लकड़ी, पत्थर, ईंट। स्थानिक प्रिज्म को अलग करके, आर्किटेक्ट इसे एक भौतिक रूप देता है। इस प्रकार, हम अनिवार्य रूप से इस प्रिज्म को न केवल अंदर से, स्थानिक रूप से, बल्कि बाहर से, पहले से ही विशुद्ध रूप से, मूर्तिकला की धारणा के समान अनुभव करते हैं।हालाँकि, यहाँ भी, वास्तुकला और अन्य कलाओं के बीच एक अत्यंत महत्वपूर्ण अंतर है। आर्किटेक्ट के मुख्य स्थानिक कार्य की पूर्ति के लिए सामग्री के रूप उनके संयोजनों में पूरी तरह से मनमाने नहीं हैं। लक्ष्य को प्राप्त करने के लिए, सांख्यिकीय, सहज या विशुद्ध रूप से वैज्ञानिक रूप से वास्तुकार को स्टैटिक्स और यांत्रिकी के कानूनों को समझने की आवश्यकता है। यह बुनियादी रचनात्मक स्वभाव है जो आवश्यक रूप से वास्तुकार में निहित होना चाहिए और जो अपने काम में एक निश्चित विधि निर्धारित करता है। एक स्थानिक समस्या का समाधान अनिवार्य रूप से इस विशेष संगठनात्मक पद्धति को मजबूर करता है, जिसमें इसे ऊर्जा के न्यूनतम व्यय के साथ हल करना शामिल है।

इस प्रकार, एक मूर्तिकार से एक वास्तुकार को अनिवार्य रूप से अलग करना न केवल अंतरिक्ष का संगठन है, बल्कि इसके पृथक पर्यावरण का निर्माण है। इससे वास्तुकार की मुख्य संगठनात्मक पद्धति इस प्रकार है, जिसके लिए फार्म की दुनिया असीम और अंतहीन संभावनाओं की एक श्रृंखला नहीं है, लेकिन केवल वांछित और कार्यान्वयन के लिए संभव के बीच कुशल पैंतरेबाज़ी है, और यह काफी स्वाभाविक है कि यह संभवत: प्रभावित करता है इच्छाओं की प्रकृति का विकास। इस वजह से, वास्तुकार कभी भी "हवा में महल" नहीं बनाता है जो संगठनात्मक पद्धति के इस ढांचे में फिट नहीं होगा;

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यहां तक कि वास्तुशिल्प कल्पना, रचनात्मक विचारों से मुक्त है, और यह स्टैटिक्स और यांत्रिकी के कानूनों को संतुष्ट करता है - और यह पहले से ही एक निर्विवाद रूप से बुनियादी सुविधा की बात करता है, जो वास्तुकला की कला को समझने में बहुत आवश्यक है। इसलिए, चित्रकला की तुलना में वास्तुकला के रूपों की अपेक्षाकृत सीमित सीमा समझ में आती है, और समर्थन और झुकाव, धारण करने और झूठ बोलने, तनाव और आराम करने के एक समारोह के रूप में वास्तु रूपों को समझने में मुख्य दृष्टिकोण, ऊर्ध्वाधर और क्षैतिज रूप से फैला हुआ रूप, और कोई भी अन्य, इन मुख्य दिशाओं से कार्यात्मक। यह संगठनात्मक पद्धति उन लयबद्ध विशेषताओं को भी निर्धारित करती है जो वास्तुकला की विशेषता है। और, अंत में, यह पहले से ही, एक निश्चित सीमा तक, प्रत्येक व्यक्तिगत औपचारिक अणु के चरित्र को निर्धारित करता है, जो हमेशा मूर्तिकला या पेंटिंग के तत्वों से अलग होता है।

इस प्रकार, स्थापत्य शैली की प्रणाली कई समस्याओं से बनी है: स्थानिक और वॉल्यूमेट्रिक, जो अंदर और बाहर से एक ही समस्या के समाधान का प्रतिनिधित्व करते हैं, औपचारिक तत्वों द्वारा सन्निहित; बाद वाले एक या किसी अन्य संरचनागत विशेषताओं के अनुसार व्यवस्थित होते हैं, जो ताल की एक गतिशील समस्या को जन्म देता है।

इन समस्याओं की सभी जटिलता में केवल वास्तुशिल्प शैली की समझ न केवल इस शैली को समझा सकती है, बल्कि व्यक्तिगत शैली की घटनाओं के बीच संबंध भी बता सकती है। इसलिए, ग्रीक शैली को रोमन, रोमनस्क्यू टू गॉथिक आदि के परिवर्तन का विश्लेषण करते हुए, हम अक्सर विरोधाभासी विशेषताओं का निरीक्षण करते हैं। इसलिए, रोमन शैली, एक तरफ, शोधकर्ताओं द्वारा हेलेनिक विरासत के शुद्ध रूपों के विकास के रूप में माना जाता है, दूसरी ओर, कोई भी इस तथ्य पर ध्यान नहीं दे सकता है कि संरचना के तरीके या संगठन का स्थान रोमन संरचनाएं ग्रीक एक के लगभग विपरीत हैं।

उसी तरह, इटली में प्रारंभिक पुनर्जागरण (क्वाट्रोसेंटो) की कला अभी भी अप्रचलित गॉथिक शैली की व्यक्तिगत विशेषताओं से भरी हुई है, और पुनर्जागरण रचना के तरीके पहले से ही हैं

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गॉथिक की तुलना में कुछ हद तक नया और अप्रत्याशित है, उनके स्थानिक अनुभवों का इतना विरोध किया जाता है कि वे अपने समकालीन वास्तुकार फिलेटेर के प्रसिद्ध वाक्यांश को बाद के बारे में बताते हैं: शापित वह होगा जिसने इस बकवास का आविष्कार किया था। मुझे लगता है कि केवल बर्बर लोग इसे अपने साथ इटली ला सकते थे।”

इस दृष्टि से, ऐतिहासिक रूप से कला या संपूर्ण शैली के किसी कार्य का मूल्यांकन करने के अलावा, पर्यावरण के संबंध में, जिसने इसे बनाया, वस्तुनिष्ठ मूल्यांकन का एक अन्य तरीका है - आनुवांशिक, यानी सामान्य प्रक्रिया के विकास के लिए शैलियों के आगे विकास के लिए अपने संबंधों के संदर्भ में एक घटना का मूल्य निर्धारित करना।और इस तथ्य को देखते हुए कि किसी भी जीवन की घटना की तरह एक कलात्मक शैली, तुरंत पुनर्जन्म नहीं होती है और इसकी सभी अभिव्यक्तियों में नहीं होती है, और आंशिक रूप से अतीत पर अधिक या कम निर्भर करती है, यह शैलियों को भेद करना संभव है जो आनुवंशिक रूप से अधिक मूल्यवान और कम हैं मूल्यवान अनिद्रा के रूप में वे अधिक या कम डिग्री पुनर्जन्म के लिए उपयुक्त लक्षण हैं, कुछ नया बनाने की क्षमता। यह स्पष्ट है कि यह मूल्यांकन हमेशा कला के काम के औपचारिक तत्वों के गुणों के संबंध में नहीं होगा। अक्सर औपचारिक रूप से कमजोर, अर्थात्। अपूर्ण और अपूर्ण कार्य आनुवंशिक रूप से मूल्यवान है, अर्थात नए के लिए अपनी क्षमता के साथ, एक बेदाग स्मारक से अधिक, लेकिन फिर भी अतीत की अप्रचलित सामग्री का उपयोग करते हुए, आगे के रचनात्मक विकास में असमर्थ। * * * तो, फिर क्या? निरंतरता या नया, पूरी तरह से स्वतंत्र सिद्धांत दो शैलियों के परिवर्तन में निहित हैं?

बेशक, दोनों। जबकि कुछ घटक तत्व जो शैली का निर्माण करते हैं वे अभी भी निरंतरता बनाए रखते हैं, अक्सर अन्य, अधिक संवेदनशील, अधिक तेज़ी से मानव जीवन और मानस में परिवर्तन को दर्शाते हैं, पहले से ही पूरी तरह से अलग-अलग सिद्धांतों पर बनाए जा रहे हैं, अक्सर विपरीत, अक्सर

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शैलियों के विकास के इतिहास में पूरी तरह से नया; और केवल एक निश्चित अवधि के बाद, जब नई रचना पद्धति का तेज अपनी पूरी संतृप्ति तक पहुंच जाता है, तो यह पहले से ही शैली के अन्य तत्वों के पास जाता है, एक अलग रूप में, इसे विकास के समान नियमों के अधीन करते हुए, इसे संशोधित करता है, शैली के नए सौंदर्यशास्त्र के अनुसार। और इसके विपरीत, काफी बार, नई शैली के अन्य कानून मुख्य रूप से पूरी तरह से अलग-अलग औपचारिक तत्वों में परिलक्षित होते हैं, पहली संरचना की निरंतरता पर संरक्षण, जो केवल धीरे-धीरे, दूसरे स्थान पर बदलते हैं। हालांकि, इन मार्गों में से जो भी कला चलता है, केवल इन दो सिद्धांतों के लिए धन्यवाद: निरंतरता और स्वतंत्रता, एक नई और पूर्ण शैली उभर सकती है। वास्तुशिल्प शैली की एक जटिल घटना एक बार और हर चीज में नहीं बदल सकती है। निरंतरता का नियम कलाकार के रचनात्मक आविष्कार और सरलता को नियंत्रित करता है, उसके अनुभव और कौशल को निखारता है, और स्वतंत्रता का कानून ड्राइविंग लीवर है जो स्वस्थ युवा रस को रचनात्मकता देता है, इसे आधुनिकता की तीक्ष्णता के साथ संतृप्त करता है, जिसके बिना कला बस होना बंद हो जाती है कला। एक शैली का उत्कर्ष, एक छोटी सी अवधि में संघनित, आमतौर पर रचनात्मकता के इन नए और स्वतंत्र कानूनों को प्रतिबिंबित करेगा, और पुरातन और पतनशील युगों में, अलग-अलग औपचारिक तत्वों या संरचनात्मक तरीकों में, पूर्ववर्ती और बाद की अवधि के साथ गूंथेंगे शैलियों। इसलिए इस स्पष्ट विरोधाभास को समेटा गया है और आज न केवल एक नई शैली के उद्भव में एक व्याख्या मिलती है, बल्कि किसी भी ऐतिहासिक युग में भी।

यदि कोई ज्ञात निरंतरता नहीं होती, तो प्रत्येक संस्कृति का विकास असीम रूप से शिशु होता, कभी भी, शायद, इसके फूलों के एपोगी तक पहुंचने तक, जो हमेशा पिछली संस्कृतियों के कलात्मक अनुभव के संकलन की बदौलत प्राप्त होता है।

लेकिन इस स्वतंत्रता के बिना, संस्कृतियों अंतहीन बुढ़ापे में गिर गए और शक्तिहीन हो जाएगा, स्थायी

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हमेशा के लिए, क्योंकि पुराने भोजन को अंतहीन चबाने का कोई तरीका नहीं है। हमें उन सभी लोगों की ज़रूरत है, जो बर्बर लोगों के खून की हिम्मत करते हैं, जो यह नहीं जानते कि वे क्या कर रहे हैं, या रचनात्मकता के लिए एक ज़ोरदार प्यास वाले लोग, उनके स्थापित और स्वतंत्र "मैं" की शुद्धता की चेतना के साथ, ताकि कला नवीनीकृत हो सके स्वयं, इसकी अवधि पुष्पन करते हुए पुनः दर्ज करें। और यहां से, मनोवैज्ञानिक रूप से समझने योग्य न केवल विनाशकारी बर्बर हैं, जिनके रक्त में उनकी संभावित ताकत का आश्वस्त अधिकार अनजाने में स्पंदित होता है, यहां तक कि पूर्ण, लेकिन निस्संकोच संस्कृतियों के संबंध में, लेकिन "बर्बरता" की एक पूरी श्रृंखला भी है जो अक्सर सामना होती हैं सांस्कृतिक युगों का इतिहास, जब नए पुराने, यहां तक कि सुंदर और पूर्ण को नष्ट कर देता है, केवल युवा साहस के सचेत अधिकार के आधार पर।

हमें याद दिलाएं कि अल्बर्टी ने क्या कहा, एक संस्कृति का प्रतिनिधि जिसमें निरंतरता के बहुत सारे तत्व हैं, लेकिन जो इसके सार में एक नई शैली की स्थापना का एक उदाहरण है:

"… मेरा मानना है कि जिन्होंने थर्मस, और पेंटीहोन, और सब कुछ बनाया … और मन किसी और से भी बड़ा है …" *।

अपने रचनात्मक अधिकार में सभी बढ़ते हुए दृढ़ विश्वास ने अक्सर ब्रैमांटे को अपनी भव्य परियोजनाओं को पूरा करने के लिए पूरे पड़ोस को ध्वस्त करने के लिए मजबूर कर दिया और उनके लिए अपने दुश्मनों के बीच लोकप्रिय नाम "रुइंते" बनाया।

लेकिन उसी सफलता के साथ इस नाम को सिनेक्वेंटो या सिचेंटो के किसी भी महान आर्किटेक्ट को जिम्मेदार ठहराया जा सकता है। पल्लदियो, वेनिस के डोगे पैलेस के 1577 में आग लगने के बाद, सीनेट को रोमन रूपों में, अपने स्वयं के पुनर्जागरण विश्वदृष्टि की भावना में गोथिक महल के पुनर्निर्माण के लिए दृढ़ता से सलाह देता है। 1661 में, बर्निनी, जब उन्हें सेंट पीटर के कैथेड्रल के सामने एक कॉलोनी बनाने की आवश्यकता हुई, बिना किसी झिझक या संकोच के राफेल के पलाज़ो डेल'एकिला को नष्ट कर दिया।

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* एल.बी. अल्बर्ट को पत्र और रिमिनी (रोम, 18 नवंबर 1454) में माटेओ डे बास्तिया को पत्र। ब्रुनेलेशी (1436) को लिखे पत्र में वे कहते हैं: "मैं अपनी योग्यता को अधिक से अधिक मानता हूं, बिना किसी नेता के, बिना किसी मॉडल के, हम ऐसे विज्ञान और कलाएं बनाते हैं जिन्हें पहले कभी नहीं सुना या देखा गया है।"

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फ्रांस में, क्रांति के युग में, निश्चित रूप से, ऐसे और भी उदाहरण हैं। तो, 1797 में सेंट के पुराने चर्च ऑरलियन्स में इलारिया एक आधुनिक बाजार में बदल जाता है *।

लेकिन भले ही हम अपने समय के रचनात्मक विचारों की शुद्धता में एक दृढ़ विश्वास के इस चरम प्रकटीकरण को छोड़ दें, लेकिन अतीत में हमारे द्वारा डाली गई कोई भी झलक हमें मानव संस्कृति के सर्वोत्तम समय में अस्तित्व के प्रति आश्वस्त करती है, एक अत्यंत स्पष्ट एक स्वतंत्र आधुनिक रूप की समझ की शुद्धता की चेतना। और केवल पतनशील युगों की विशेषता है कि पिछली शताब्दियों की शैलीगत पहनावे को आधुनिक रूप देना। शहर के नए हिस्सों को अपने शरीर के अधीन करने का बहुत विचार नहीं है, जो शैली की किसी भी औपचारिक विशेषताओं के बाहर है, लेकिन पुराने की शैली के लिए, पहले से ही मौजूद, यहां तक कि आकार के हिस्सों में सबसे सही, एक विचार जो है पिछले दशक के हमारे सबसे अच्छे वास्तुकारों के मन में बहुत दृढ़ता से निहित है और उन्हें अक्सर पूरे पड़ोस और शहर के कुछ हिस्सों को औपचारिक रूप से स्मारकों के कुछ समूहों की औपचारिक विशेषताओं के अधीन कर देता है - जो रचनात्मक नपुंसकता का एक उत्कृष्ट संकेतक है। आधुनिकता का। सबसे अच्छे समय के लिए, आर्किटेक्ट, अपनी आधुनिक प्रतिभा की शक्ति और तीक्ष्णता के साथ, खुद को पहले से निर्मित शैलीगत रूपों के अधीनस्थ, फिर भी, समग्र रूप से शहर के जैविक विकास की सही भविष्यवाणी कर रहे हैं।

लेकिन इससे भी अधिक, एक कलाकार, जो अपने रचनात्मक विचार और अपने आस-पास की वास्तविकता के साथ और उसके माध्यम से, अलग-अलग तरीकों से निर्माण नहीं कर सकता है। वह केवल वही करता है जो उसके मस्तिष्क को भरता है, वह केवल एक आधुनिक रूप तैयार कर सकता है और सबसे कम वह सोचता है कि दूसरों के बारे में, यहां तक कि सबसे शानदार पूर्ववर्तियों ने भी उसके स्थान पर क्या किया होगा।

एक यूनानी मंदिर, एक परंपरा के साथ, कई सदियों से, इस अर्थ में,

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* फ्रांस्वा बेनोइस, "क्रांति के दौरान फ्रांसीसी कला।" एस। प्लैटोनोवा द्वारा प्रकाशन के लिए तैयार अनुवाद।

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एक दिलचस्प उदाहरण। मंदिर, जो लंबे समय से निर्माणाधीन है, कभी-कभी अपने स्तंभों में इमारत का एक जीवित कालक्रम देता है।

यह बिल्कुल स्पष्ट है कि ग्रीक वास्तुकार ने किसी निरंतरता, या पहनावा के किसी भी अधीनता के बारे में नहीं सोचा था: वह हर उस समय महसूस करने के लिए एक केंद्रित और लगातार इच्छा से भरा था जो उसके लिए समकालीन था। और निरंतरता और पहनावा खुद के बारे में आया था, जैसा कि सामान्य तौर पर, हेलस का रचनात्मक दृष्टिकोण समान था।

उसी तरह, रोमनस्क्यू शैली के युग में कैथेड्रल की शुरुआत हुई, अगर उन्होंने एक या दो सदी बाद समाप्त कर दिया, तो अनिवार्य रूप से अपने समकालीन गोथिक शैली के चरित्र को लिया, जैसे कि पुनर्जागरण के आर्किटेक्ट पूरी तरह से बिना किसी हिचकिचाहट के समाप्त हो गए, कैथेड्रल शुरू हो गए। युग में और गॉथिक शैली के रूपों में।, पुनर्जागरण के शुद्धतम रूपों में उनके लिए पूरी तरह से अलग है।और, ज़ाहिर है, वे अन्यथा कार्य नहीं कर सकते थे, क्योंकि सच्ची रचनात्मकता ईमानदार नहीं हो सकती है, और इसलिए आधुनिक नहीं है। अन्य सभी विचार आपके रचनात्मक शरीर-विज्ञान को दिखाने के लिए लगातार महसूस की गई इच्छा की तुलना में महत्वहीन लगते हैं। एक खेत में एक फूल उगता है, क्योंकि यह विकसित नहीं हो सकता है, और इसलिए, यह इस बात पर ध्यान नहीं दे सकता है कि क्या यह फिट बैठता है या इससे पहले मौजूद क्षेत्र को फिट नहीं करता है। इसके विपरीत, वह खुद अपनी उपस्थिति से बदल जाता है क्षेत्र की सामान्य तस्वीर।

इस दृष्टिकोण से एक दिलचस्प घटना प्रारंभिक इतालवी भविष्यवाद का दर्शन है, जो दूसरे चरम पर चला गया। पिछले कुछ समय के अनंत स्मारकों से घिरे हुए, इतालवी कलाकारों का मानना था कि उनकी पूर्णता के कारण, इन स्मारकों ने कलाकार के मनोविज्ञान पर बहुत अधिक बोझ डाला और उन्हें आधुनिक कला बनाने की अनुमति नहीं दी - और इसलिए सामरिक निष्कर्ष: इस सभी विरासत का विनाश। सभी स्मारकों को नष्ट करना आवश्यक है, ताकि सभी स्मारकों को नष्ट कर दिया जा सके

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कुछ नया बनाने में सक्षम होगा! लेकिन, निश्चित रूप से, यह हताश इशारा मनोवैज्ञानिक रूप से समझने योग्य है क्योंकि यह वास्तविक रचनात्मकता के लिए कलाकारों की प्यास को दर्शाता है, लेकिन, अफसोस, वह इस कला के रचनात्मक नपुंसकता को समान रूप से आकर्षित करता है, जैसे कि राहगीरों के उदार हमलों।

निरंतरता के लिए न तो चिंता और न ही पिछली कला के विनाश में मदद मिल सकती है। वे केवल लक्षण हैं जो इंगित करते हैं कि हम एक नए युग के करीब आए हैं। केवल रचनात्मक ऊर्जा का एक फ्लैश, आधुनिकता का जन्म और ऐसे कलाकार बनाना जो किसी भी शैली में काम नहीं कर सकते हैं, लेकिन केवल आधुनिकता की एकमात्र भाषा में, साधनों और उनकी कला को प्रतिबिंबित करते हुए, आज का असली सार, इसकी लय, इसका दैनिक कार्य और देखभाल और उसके बुलंद आदर्श, केवल एक ऐसा प्रकोप है जो एक नए फूल को जन्म दे सकता है, रूपों के विकास में एक नया चरण, एक नया और सही मायने में आधुनिक शैली। और, शायद, जिस समय हम इस धन्य पट्टी में प्रवेश करेंगे, वह पहले से ही बहुत करीब है।

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